Interview de Psychonaut

Psychonaut est un groupe belge originaire de Malines, signé chez Pelagic Records. Formé par Stefan de Graef (guitare / chant), Thomas Michiels (basse / chant) et Harm Peters (batterie), le trio s’est imposé sur la scène post-metal européenne avec deux albums remarqués, Unfold the God Man (2018/2020) et Violate Consensus Reality (2022) dont nous avons été amenés à vous parler largement et qui ont été consacrés tous deux comme albums du moment dans nos pages à leur sortie.

Leur nouvel album World Maker sortira le 24 octobre 2025 et les 3 premiers titres disponibles en donnent déjà un avant-goût prometteur.

Alors que leur nouvel album World Maker s’annonce comme un disque plus intime, abordant notamment la paternité et la perte, nous avons eu l’occasion d’en discuter directement (par email) avec leur chanteur et guitariste Stefan de Graef. Voici notre interview, en version française puis l’originale en anglais.

Interview – Stefan de Graef / Psychonaut (français)

The original version in English is below.

Votre nouvel album se veut plus intime, abordant la paternité, le deuil et la présence. Comment ces expériences personnelles ont-elles influencé non seulement les paroles mais aussi vos choix musicaux (arrangements, instrumentation, dynamiques) ?

Je voulais écrire un album très narratif – comme un album de Pink Floyd – conçu pour être écouté du début à la fin, en maintenant la tension au bon endroit et en équilibrant autant que possible les moments forts et les moments calmes. Pour faire simple, je voulais écrire à mon fils un album qui montre ce qu’est la musique et à quel point elle peut être puissante comme expérience immersive. Je pensais à lui à chaque seconde en écrivant, en l’imaginant l’écouter un jour. Je voulais une belle introduction pour l’immerger progressivement, puis tout donner ensuite. Cela a beaucoup influencé la structure de l’album, même si l’ordre des morceaux a changé au moment du mix final.

Comparé à Violate Consensus Reality, très direct, le nouvel album semble revenir à l’esprit plus contrasté du premier, entre violence et accalmie. Était-ce un choix conscient lié aux thèmes abordés ?

Oui, clairement. Même indépendamment du thème, je vois Violate Consensus Reality comme un album très en colère, très dense, qui ne laisse pas beaucoup de place pour souffler. J’en suis fier, mais cette fois je voulais un arc narratif plus large.

Vous avez intégré des instruments comme le tabla, l’orgue Rhodes, mais aussi des voix invitées. Comment ces choix se sont-ils faits ?

Souvent ça part de moi qui teste des plugins gratuits trouvés en ligne. Une nuit après un concert, j’étais trop excité pour dormir et j’ai essayé un plugin appelé “Indian Dreams” : en quatre heures j’avais écrit l’intro de “Origins”. L’orgue Rhodes sur le titre principal a une histoire similaire : mon fils dormait et je ne pouvais pas jouer de guitare sans le réveiller, alors j’ai pris un casque, cherché des mélodies et me suis laissé emporter. C’était très différent de ce que je fais d’habitude, mais il y avait cette magie que je cherche toujours. Écrire de la musique est ce que je préfère au monde, j’adore me perdre dans ce champ infini de possibilités.

Après des thèmes philosophiques et métaphysiques, World Maker se recentre sur le présent. Était-ce un choix ou une évolution naturelle ?

Un peu des deux. L’idée de base est venue quand j’ai appris que ma femme était enceinte : je ne pouvais pas penser à autre chose. Et puis Violate Consensus Reality était épuisant émotionnellement, on s’inquiétait sans cesse des grands problèmes du monde… Ce n’est pas une recette pour le bonheur. Écrire sur mes propres émotions a été libérateur et ces paroles ont été les plus faciles à écrire, car elles venaient du cœur.

Aviez-vous un concept ou un arc narratif en tête pour l’album ?

C’est plutôt une collection de réflexions personnelles.

“And You Came With Searing Light” est un morceau puissant et chargé d’émotion. Comment a-t-il vu le jour ?

La première minute a été écrite peu après que le concept a germé. J’ai continué après la naissance de mon fils, porté par cette euphorie de jeune père. Les paroles ont dicté la progression. Une fois le riff principal trouvé, tout s’est connecté. Mais Thomas et Harm ont apporté de précieux retours et nous avons beaucoup réarrangé. Ce fut l’un des morceaux les plus difficiles à finaliser, terminé seulement quelques semaines avant l’enregistrement. J’en suis très fier. du point de vue des paroles, j’écrivais simplement à quel point c’était incroyable de rencontrer mon fils pour la première fois, avant même d’apprendre la maladie de mon père.

Comment se passe l’écriture chez Psychonaut aujourd’hui ? Avez-vous changé votre méthode ?

J’écris environ 95% de la musique et j’envoie mes démos à Thomas et Harm. Ils donnent leur avis et on finalise ensemble. Dans les débuts, Thomas écrivait aussi, mais nous n’avons jamais été très bons à composer ensemble en salle de répète. C’est une idée romantique, mais pas efficace pour nous. Les idées nées d’un jam sont rarement assez originales. Parfois on s’y met à trois si un morceau bloque, mais ça reste l’exception.

Quand vous introduisez des passages plus délicats ou atmosphériques, comment les intégrez-vous aux parties plus agressives ?

Je n’ai pas de formule. J’écoute en boucle et je me demande : qu’est-ce que je voudrais entendre juste avant ou après ce passage ? La préparation est aussi importante que le riff lui-même, elle conditionne son impact.

Comment les lignes vocales de Stefan et Thomas se complètent-elles sur le nouvel album ?

C’est devenu une part de notre identité. Avant, je terminais beaucoup d’instrumentaux avant d’ajouter les voix. Maintenant, je pense aux voix à chaque étape. Il n’y a pas de débat : on sait instinctivement qui doit chanter telle partie.

Avec l’ajout d’instruments et d’invités, comment avez-vous choisi ce qui devait rester pour garder la cohérence ?

Tout est dans l’expérience globale. On voulait un album captivant du premier au dernier instant, comme un film. On avait plus de morceaux, mais l’album était parfait tel quel avec ceux choisis, dans cet ordre précis.

Stefan, tu partages ton énergie entre Psychonaut et Hippotraktor. Comment gères-tu cette balance et qu’exprimes-tu différemment dans chaque groupe ?

Je compose les voix de la même façon : j’écoute l’instrumental et je cherche à le rendre plus intéressant. Pas de différence de méthode. En pratique, Hippotraktor me donne encore plus de liberté car je ne joue pas de guitare en chantant. Thématiquement, Hippotraktor est plus “fictionnel”, alors que Psychonaut reste plus ancré dans le réel.

Les deux groupes se distinguent aussi par l’usage des harmonies vocales. Quelles inspirations pour ce choix ?

De Porcupine Tree et Intronaut à Pink Floyd, Led Zeppelin, Alice in Chains…

Comment allez-vous adapter World Maker sur scène ?

Il y a de nouveaux défis selon les morceaux choisis. On a décidé d’ajouter des couches de backing sur certains titres. Avant, on évitait, mais si ça rend l’expérience meilleure, pourquoi pas ? Je suis aussi passé sur un Quad Cortex pour un son de guitare plus fidèle à l’album.

Avez-vous des plans de tournée ? Des lieux que vous attendez particulièrement ?

Beaucoup ! On a plein de choses en préparation. J’ai hâte de revenir en Suisse et en Espagne. J’espère aussi jouer plus en Scandinavie.

Voyez-vous World Maker comme le début d’une nouvelle ère pour Psychonaut ?

Chaque album est une nouvelle ère. On se dépasse à chaque fois. Notre objectif reste de progresser en tant que musiciens, d’écrire la meilleure musique possible et de livrer les meilleurs concerts.

En une phrase, comment décririez-vous World Maker à quelqu’un qui l’écoute pour la première fois ?

J’espère qu’ils ressentiront l’énergie et prendront le temps de plusieurs écoutes. Il y a énormément de détails en arrière-plan. Le plus important : que ça rende les gens heureux et leur fasse apprécier la vie.

Merci à Psychonaut pour cet échange et à Jessica de Hold Tight.

Interview – Stefan de Graef / Psychonaut (English)

This upcoming album is said to be more intimate, dealing with fatherhood, grief, and presence. How did these personal life events influence not only the lyrics but also your musical choices (arrangements, instrumentation, dynamics)?

I wanted to write a very narrative album – like a Pink Floyd album – that is designed to be listened to from start to finish, keeping the tension at the right point and balancing between highs and lows as much as possible. To put things simply, I wanted to write my son an album that would display what music is and how powerful it can be as an immersive experience. It’s a way of showing him what I think the best possible musical experience is at this point in my life. I thought about him every second while I was writing and was imagining him listening to it one day. I wanted to make sure that it had a nice introduction to gradually pull him in and then just pull out all the stops throughout the album. This played a big part in how the album was structured, even though the song order changed quite a bit when we were finishing the album.

Compared to Violate Consensus Reality, which was a very direct album, the new album seems to be back to the more “contrasted” mood of the first album. Was that a conscious decision linked to the more intimate topics?

Definitely. Even aside from the theme, I look back at VCR as a very angry, busy album that doesn’t really offer a lot of time to catch your breath. I love the album and I’m proud of it, but I wanted to have a bigger arc with this one.

You’ve introduced instruments like tabla, Rhodes organ, but also guest vocals. How did those collaborations come about, and how did you decide where to put “non-metal” elements in the songs?

They usually start off by me randomly messing around with free plugins that I find online. I came home one night after a show and was too hyped to sleep, so I tried this plugin called ‘Indian Dreams’ and ended up writing the intro for the song “Origins” in about 4 hours before I finally went to bed. The Rhodes organ on the title track has a similar story, but the reason I was messing around with it is because my son was asleep and I couldn’t write anything on guitar without potentially waking him. So I put on my headphones, tried some melodies and got sucked into the vortex until he woke up. I continued working on it and before I knew it, I had written this weird ‘Southern’ style vocal that kind of worked perfectly. It was very different than anything I would normally do, but it had that magic that I always look for. Writing music is my favourite thing in the world because I love to get lost in this world of endless possibilities.

In past albums you’ve explored broad philosophical or metaphysical themes. With World Maker, you seem to be narrowing focus to the present moment. Was that a conscious pivot or a natural progression?

A bit of both, probably. The basic idea for this album came after I found out my wife was pregnant because I couldn’t even imagine thinking or writing about anything else. In addition, the VCR theme was emotionally exhausting because we were constantly worrying about massive world problems and that’s not really a recipe for happiness. I was actually quite happy when we finished that one because I was done with dealing with things of this magnitude for a while. It felt liberating to write about my own emotions and experiences on this record. These were by far the easiest lyrics to write because they came from the heart without worrying about sounding too intelligent or sophisticated.

Did you have a concept or narrative arc in mind for World Maker, or is it more a collection of personal reflections and moments?

It’s very much the latter.

“And You Came With Searing Light” is a powerful, emotionally dense track. Can you walk us through its writing process and how it encapsulates the shift you’re making on World Maker?

The first minute of this track was one of the first things I had written a few months after I had thought of the concept. I continued working on it in the weeks after my son was born and wrote the lyrics on this new-father high. These lyrics really dictated how the song progressed and once I wrote the main heavy riff, everything connected and I finished a first version very quickly. However, Thomas and Harm had some great feedback and we re-arranged big parts of it together. It was actually one of the hardest songs to finish and get exactly right because there is so much going on. We finished it only a few weeks before we started recording. But I’m very proud of this song in particular. It has the style of tension arc that I love in heavy music. Lyrically, I was simply writing about how amazing it felt to meet my son for the first time. I hadn’t found out about my dad’s cancer yet, so I was simply floating and loving life, even though I was tired as hell.

How does songwriting or composition happen now—does one of you bring a rough skeleton, or do you build collectively in rehearsal or studio? Has this method changed for this record?

I write the music about 95% of the time and send my demos to Thomas and Harm. They write down their feedback and we finish everything together. In the early years of our career, Thomas wrote a few songs as well, but we’ve never been very good at writing together in our rehearsal space. I think the idea is very romantic, but for us it’s simply not the most efficient way of working. I’ve always thought that ideas that come from a jam session are rarely sufficiently original. We do try out things together if we’re stuck on a song though. I remember writing big parts of “The Fall of Consciousness” back in 2016 with the three of us together in the rehearsal room. So sometimes it does happen, but it’s the exception rather than the rule.

When you introduce more delicate or atmospheric moments, how do you balance them so they still integrate with the heavier, more aggressive parts?

I don’t think there’s a formula for it. I just listen to something I’ve written over and over and think: ‘what do I want to hear right before or after this part?’ The buildup to the drop is usually equally as important as the drop itself because it creates the right conditions for it to appear. You can ruin a massive riff by having the wrong introduction to it, or you can make a mediocre riff sound insane with the right buildup to it.

How do Stefan’s and Thomas’s vocal lines complement each other in the new material? Do you intentionally write with contrast in mind?

It has become part of our signature sound over the years so we definitely always think about vocals when we’re writing songs. In the past, I finished a lot of instrumental songs and then added vocals when it was finished, but now I try to take vocals into account every step of the way. There’s no use in writing really intricate guitar parts if a vocal is going to get added that takes up all of the attention anyway. Thomas and I know each other’s voices very well and there’s very little arguing about who is going to sing a certain part. It’s always very clear who has the best voice for a certain part.

With evolving instrumentation and collaborative guest input, how do you decide what stays in, what stays out, for the sake of coherence?

It all comes down to the experience. We wanted an album that was interesting from the first second to the last, like a film. We had written more songs, but the album was perfect with the songs we had chosen in the exact order we had put them. Adding more would only create diminished returns.

Stefan, you’re fronting both Psychonaut and Hippotraktor. How do you keep your creative ideas and your vocal energy balanced between them, and what do you feel each band allows you to express that the other doesn’t?

I always write vocal parts in the same way: I listen to the instrumental parts and try to make them more interesting. I sing when I have to and I shut up when there’s no reason to sing because everything is already interesting enough. There’s no real difference in the process with both bands. Practically, Hippotraktor does give me even more freedom to be creative because I don’t have to worry about playing guitar while I’m singing live. Thematically, both bands are very different though. I’ve always considered Hippotraktor to have more ‘fictional’ concepts, which I love to write in contrast to the Psychonaut themes which are more centred in the real world.

Both Psychonaut and Hippotraktor stand out for their dual vocals and powerful harmonies. Which bands or artists have inspired you in developing that layered vocal approach?

Anything from Porcupine Tree and Intronaut to Pink Floyd, Led Zeppelin, Alice in Chains…

How do you plan to bring World Maker to the live stage? Are there extra challenges in translating more subtle textures in a live setting?

There are definitely new challenges depending on which songs we want to play. We’ve decided to add some backing layers to a few tracks because we think it’s time to branch out a bit with our live sound. We’ve always tried to avoid doing that as much as possible, but now we don’t see any reason to not do it if it makes the experience better for everyone. I’ve also switched to a Quad Cortex amp to get a guitar tone that was more loyal to the album.

Are there plans for a tour around the release? What regions or venues are you most excited to play?

Many! We’ve got a lot of cool stuff in the works that will be announced soon. I look forward to going back to Switzerland and Spain in particular. I also hope we can play more Scandinavian shows soon. You’ll see us!

Looking forward, do you see World Maker as the start of a new era or direction for Psychonaut? Where do you see yourselves evolving from here?

Every album is a new era for us. There are so many new challenges every time and we get pushed beyond our limits with every album. Our main goal is to evolve as musicians, to write the best music we can and to play the best live shows we can.

For fans listening for the first time, how would you describe World Maker in just a line or two? What do you hope they feel?

I hope they feel the energy and that they take the time to give a few spins. There are so many things going on in the background of all of these tracks. Most importantly, I hope it makes people happy and that it makes them appreciate life.

Thanks to Psychonaut for the conversation and to Jessica from Hold Tight.