Bilan 2025 – jonben

Plutôt que de chercher à se réinventer, les Français de Fractal Universe poursuivent avec ce quatrième album un travail de consolidation, et proposent encore un album remarquable qui correspond exactement à mes gouts. Le groupe affine son équilibre entre death metal technique, structures progressives et touches mélodiques teintées de jazz.
L’intégration plus marquée du chant clair pourra diviser, mais elle s’inscrit dans une logique d’évolution cohérente. The Great Filters n’est pas un album de rupture, mais un disque solide, maîtrisé, qui confirme la singularité du groupe dans le paysage du metal progressif contemporain.

Après une discographie en dents de scie, Xenotaph marque un véritable retour en forme pour Fallujah, et je pense maintenant que c’est leur meilleur album. On retrouve l’intensité et la cohérence qui faisaient la force de The Flesh Prevails, tout en corrigeant ses principaux défauts, notamment sur le plan vocal.

Le nouveau chanteur apporte une diversité bienvenue, alternant growls puissants, screams nuancés et lignes mélodiques mémorables sans jamais alourdir les compositions. Porté par une écriture plus lisible et une production nettement plus aérée, Xenotaph s’impose comme un disque de Death Progressif cosmique abouti, ambitieux sans excès, et sans doute l’un des sommets récents du groupe.

Treize ans après Rest et 20 and après le magistral Voices of Omens, Rwake signe un retour aussi attendu que convaincant. On renoue avec l’essence du groupe : un sludge progressif massif, psychédélique, profondément immersif, où chaque morceau se déploie sur la durée.

Les longues compositions privilégient les dynamiques évolutives, les atmosphères lourdes et les tensions lentes. Les voix, tantôt incantatoires, tantôt viscérales, constituent le cœur émotionnel de l’album. Sans chercher à moderniser son propos, Rwake livre un disque dense et habité, qui s’impose comme l’un des retours les plus marquants de l’année dans le registre sludge.

Avec World Maker, Psychonaut opère un virage plus introspectif sans renier la puissance qui faisait la force de ses précédents albums. Moins frontal que Violate Consensus Reality, ce disque privilégie l’équilibre entre lourdeur et douceur, entre montées hypnotiques et envolées mélodiques.

Les influences psychédéliques et progressives y sont pleinement assumées, avec une écriture plus émotionnelle et moins démonstrative. Sans être un album immédiatement spectaculaire, World Maker séduit par sa cohérence et sa maturité, confirmant Psychonaut comme l’un des acteurs les plus intéressants du post-metal européen actuel.

Avec The Blue Nowhere, Between the Buried and Me livrent un album aussi dense qu’exigeant, fidèle à leur réputation de groupe inclassable. Sur plus de soixante-dix minutes, le quatuor enchaîne brutalité technique, ruptures stylistiques et détours burlesques, sans jamais chercher la facilité.

Si certaines sections peuvent paraître éprouvantes par leur accumulation d’idées et l’omniprésence vocale, l’ensemble impressionne par sa maîtrise et son audace. The Blue Nowhere ne cherche pas à séduire immédiatement, mais récompense une écoute attentive et confirme la capacité du groupe à repousser ses propres limites.

Projet collectif porté par Tom Geldschläger, Changeling s’inscrit dans la lignée du Death Metal technique moderne, tout en adoptant une approche nettement plus exploratoire. L’album se distingue par une richesse d’arrangements peu commune : fretless guitar, orchestrations, passages microtonaux et atmosphères travaillées.

Loin d’une simple démonstration instrumentale, Changeling séduit par la cohérence de son propos et la complémentarité de ses musiciens. Un disque ambitieux, dense mais lisible, qui s’adresse clairement aux amateurs de metal progressif en quête de renouvellement.

Dans la continuité directe de leur excellent album précédent Bionic Swarm, Celestial Death confirme Cryptosis comme l’une des formations les plus solides du thrash technique contemporain. Le groupe affine ici sa formule futuriste sans en altérer l’agressivité.

Les synthétiseurs rétro, les riffs tranchants et le chant exclusivement hurlé contribuent à une identité immédiatement reconnaissable. Sans surprise majeure, l’album se distingue par sa rigueur et son efficacité, et confirme Cryptosis comme une valeur sûre du genre.

Avec cet EP, You Win Again Gravity poursuit son exploration d’un metal progressif émotionnel, à la croisée du post-hardcore et du rock atmosphérique. Les cinq morceaux, reliés par des interludes soignés, forment un ensemble cohérent et introspectif.

Loin des clichés du genre, le groupe privilégie une émotion retenue, presque lumineuse, portée par des arrangements précis et un chant clair expressif. Court mais dense, Don’t Leave Me Here, Pt. 1 agit comme une transition prometteuse vers un format plus ambitieux.

Après un album précédent que je n’avais pas apprécié, Rivers of Nihil opte ici pour un recentrage brutal et sombre vers un Death Metal Progressif unique. Le départ de l’ancien chanteur permet une nouvelle dynamique vocale, plus variée et plus percutante.

Les compositions privilégient des tempos lourds et une atmosphère oppressante, enrichie de synthétiseurs et de saxophone. Sans bouleverser non plus leur écriture, le groupe retrouve une identité plus affirmée et signe un album solide, exigeant, qui marque un retour crédible au premier plan.

Avec Gods of Pangaea, Charlie Griffiths assume pleinement son goût pour le heavy et le thrash metal classiques. Loin des textures progressives de Haken, ce projet solo privilégie les riffs massifs et une écriture directement héritée des années 80 et 90.

La présence de chanteurs invités apporte une diversité bienvenue, tandis que la production moderne évite tout effet nostalgique. Sans prétendre à l’innovation, l’album séduit par sa sincérité et sa solidité, et s’impose comme un hommage efficace au metal traditionnel.

Avec The Spin, Messa opère un recentrage salutaire. Le groupe conserve son mélange de doom, de rock gothique et de psychédélisme, mais l’ensemble paraît ici mieux maîtrisé, plus resserré.

La voix de Sara Bianchin reste le point d’ancrage émotionnel du disque, capable de passer de la retenue à des montées plus intenses sans jamais forcer le trait. Les compositions privilégient l’atmosphère et la progression lente plutôt que l’accumulation d’idées. The Spin s’impose par sa cohérence et marque une étape importante dans la maturation du groupe.

Avec Violet, L.S. Dunes dépasse enfin le simple statut de supergroupe nostalgique. Ce second album est bien meilleur que leur premier, il trouve un équilibre plus convaincant entre émotion brute et structure.

La voix d’Anthony Green demeure centrale, toujours marquée par cette fragilité expressive qui a fait sa singularité, oscillant entre douceur et éclats cathartiques. Musicalement, l’album reste solidement ancré dans l’emo et le post-hardcore, sans chercher à moderniser artificiellement le genre. Violet ne révolutionne rien, mais propose une relecture sincère et mature, qui fonctionne précisément parce qu’elle évite le pastiche.

Uncommon Grounds s’impose comme l’une des propositions les plus atypiques de l’année. En intégrant accordéon et saxophone à une base metal instrumentale, CKRAFT brouille volontairement les frontières entre jazz fusion, djent et musique progressive.

La richesse rythmique et la densité des arrangements impressionnent, tout comme la maîtrise instrumentale. Cette profusion peut parfois donner une impression de saturation, certaines idées méritant davantage d’espace pour respirer. Reste un album exigeant, audacieux, et profondément singulier, qui s’adresse avant tout aux amateurs de musiques hybrides et aventureuses.

Album posthume achevé plusieurs années après la disparition de Tim Smith, LSD prolonge fidèlement l’univers unique de Cardiacs. On y retrouve cette pop déconstruite, ces rythmiques bancales et ces arrangements foisonnants qui ont toujours rendu le groupe inclassable.

La durée conséquente et la fidélité absolue à une formule déjà éprouvée peuvent générer une sensation de redondance, certains morceaux semblant plus esquissés qu’aboutis. LSD n’en demeure pas moins un témoignage précieux, ultime prolongement d’une œuvre singulière qui n’a jamais cherché la facilité.

Avec Erasure of Color, Aversed propose un death metal mélodique technique solide et bien exécuté. Porté par une performance vocale convaincante, l’album alterne passages agressifs, lignes mélodiques plus accessibles et incursions dissonantes.

Sans véritable prise de risque, le disque s’inscrit clairement dans les codes du genre, mais le fait avec sérieux et efficacité. Un album cohérent, bien produit, qui confirme le potentiel du groupe sans encore le pousser dans ses derniers retranchements.

Je ne connaissais pas ce groupe américain assez confidentiel mais j’aime beaucoup cet album qui s’inscrit dans une tradition de Rock Progressif très marquée par les années 70. Les morceaux privilégient les développements instrumentaux, les changements d’atmosphère et une palette sonore riche.

L’ensemble séduit par sa cohérence et son sens de la narration musicale, même si l’album ne cherche jamais la rupture ou la surprise radicale. Une proposition sérieuse et maîtrisée, qui trouvera naturellement son public parmi les amateurs de Prog classique revisité.

Si j’avais suivi mais moyennement aimé ses derniers albums en solo orientés pop, avec The Overview, Steven Wilson signe un retour assumé vers un rock progressif plus ambitieux. Structuré en deux longues pièces, l’album privilégie l’atmosphère et les textures au détriment d’un véritable récit conceptuel.

Si certains choix — notamment les passages parlés — peuvent paraître superflus, l’ensemble rappelle les grandes heures de sa discographie solo. Sans être un sommet, The Overview rassure sur la capacité de Wilson à produire des œuvres progressives cohérentes et élégantes.

Revocation poursuit son parcours avec un album fidèle à son death/thrash technique, précis et rigoureux. New Gods, New Masters ne cherche pas à bouleverser la formule, mais l’affine avec une production solide et quelques collaborations bien intégrées.

L’ensemble manque peut-être d’un véritable moment de rupture, mais conserve une efficacité constante. Un disque fiable, qui s’inscrit dans la continuité logique de la discographie du groupe.

Ce troisième album de montre Our Oceans arrivé à pleine maturité : un album à la fois mélancolique et lumineux, construit sur des arpèges de guitare clairs, une dynamique maîtrisée et une écriture profondément émotionnelle. Le chant désormais affirmé de Tymon Kruidenier, souvent évocateur de Jeff Buckley, s’élève au-dessus de montées post-rock subtiles et d’arrangements raffinés. Un disque sincère, retenu et profondément humain, qui privilégie l’atmosphère et l’authenticité aux accroches faciles et à la visibilité.

Vildhjarta poursuit son exploration d’un djent sombre et anguleux, immédiatement identifiable. Les rythmiques écrasantes, les textures dissonantes et les atmosphères inquiétantes constituent toujours le cœur de leur proposition.

Si la répétition de certains procédés finit par atténuer l’impact global, l’album reste cohérent et fidèle à l’identité du groupe. Un retour solide, plus convaincant sur la durée que dans l’effet de surprise.

Encore un petit groupe découvert cette année, Brass Camel propose une fusion généreuse de rock progressif, funk et hard rock, clairement ancrée dans un esprit années 70. Les morceaux alternent entre longues plages instrumentales et titres plus concis, toujours portés par un groove affirmé.

L’album mise davantage sur le plaisir de jeu et la musicalité que sur l’innovation formelle. Une proposition chaleureuse et énergique, qui se distingue par sa sincérité.

Projet solo ambitieux d’un portuguais dont j’avais déjà beaucoup aimé l’album précédent, Dispirited Spirits développe un univers dense mêlant Art Rock, Prog moderne et influences Post-Hardcore. Les compositions, souvent longues, privilégient les progressions linéaires et une approche cinématographique.

Malgré une densité parfois exigeante, l’album impressionne par la cohérence de son univers et la maîtrise de ses arrangements. Une œuvre singulière, qui s’inscrit davantage dans une logique de construction d’univers que dans celle du format chanson.

Avec Shadow Work, Despised Icon signent un retour fidèle à leur ADN. L’album mise sur une brutalité maîtrisée, une production massive et une alternance efficace entre passages techniques et sections plus directes.

Sans surprise majeure, le disque s’impose par sa conviction et son efficacité, rappelant pourquoi le groupe canadien reste une référence du Deathcore, même après plusieurs années d’absence.

Après une longue absence discographique, Coroner livrent avec Dissonance Theory un retour particulièrement convaincant. L’album parvient à moderniser le son du groupe sans en trahir l’identité, grâce à une production actuelle et une écriture toujours aussi singulière.

Chaque morceau trouve naturellement sa place dans un ensemble dense mais lisible. Dissonance Theory s’impose comme l’un des retours les plus solides de l’année, capable de séduire aussi bien les anciens auditeurs que de nouveaux venus.

Pachinko est un album multi-facette, et si j’adore certaines, d’autres me laissent froid. La fusion de Metal progressif, de Pop exubérante et de Jazz Fusion de Moron Police impressionne par son ambition, mais peut rebuter par son goût prononcé pour l’excès et le kitsch assumé.

La suite centrale « Pachinko » concentre toutefois les meilleures idées du groupe, offrant un équilibre plus convaincant entre virtuosité et dramaturgie. Un disque audacieux, mais profondément affaire de goût.

Jusque maintenant le groupe anglais Ihlo faisait figure pour moi de clone de Tesseract/Periphery. Avec Legacy, le trio confirme son orientation vers un metal progressif émotionnel et accessible. Les textures électroniques et les mélodies aériennes occupent une place centrale, certes parfois au détriment de l’impact brut, on est plus du tout sur un groupe de djent classique. L’album séduit par sa cohérence et sa production soignée, même s’il reste relativement balisé dans son approche.

Un iconoclaste dans cette liste mais Age of Apocalypse a une formule déjà bien identifiée qui me plait bien : un hardcore métallique lourd, mais là où on s’attendrat à un énième chant hurlé hardcore, on a en fait un chant clair expressif qui assume pleinement l’héritage de Life of Agony. L’album gagne en maturité par rapport au précédent, tant sur le plan de l’écriture que de l’interprétation. Le chanteur se montre plus assuré, capable d’installer une véritable tension émotionnelle sans tomber dans le pathos. Les riffs, massifs mais lisibles, privilégient le groove et l’efficacité plutôt que la surenchère. Court et direct, In Oblivion va à l’essentiel et confirme le groupe comme une proposition solide dans un registre souvent formaté.

Waving at the Sky s’inscrit dans la continuité du premier album du groupe, en développant un metal progressif mélancolique fortement influencé par Porcupine Tree. L’écriture instrumentale se montre plus assurée, avec des ambiances soignées et des progressions bien construites.

Le chant reste toutefois le point faible de l’ensemble, manquant parfois de relief, ce qui devient particulièrement évident sur le morceau partagé avec Ross Jennings, dont la prestation surclasse nettement celle du chanteur principal. Le long titre final, qui donne son nom à l’album, constitue néanmoins un très beau moment de prog, confirmant le potentiel du groupe sur les formats étendus.

Derrière un nom peu engageant se cache un groupe de rock progressif étonnamment solide. Avec Overview Effect, Squeaky Feet gagnent en cohérence par rapport à leur précédent disque, en privilégiant une écriture plus structurée au détriment de l’improvisation pure.

Les influences — de King Crimson à Porcupine Tree en passant par le jazz-rock — sont assumées mais bien digérées. La musique reste technique, parfois complexe, mais conserve un groove constant qui empêche l’ensemble de devenir cérébral. Un album qui mérite clairement davantage d’attention.

Impossible à classer, Snooze propose ici un disque volontairement éclaté, naviguant entre Math Rock, Mathcore, Post-Hardcore et Indie Rock. L’album repose sur le contraste permanent : violence abrupte, ruptures soudaines, moments acoustiques fragiles et passages presque pop déconstruits.

Cette absence de cohérence linéaire peut s’avérer éprouvante sur la durée, mais elle constitue aussi la force du projet. I Know How You Will Die ne cherche pas à rassurer ni à s’inscrire dans un cadre précis, préférant l’expérimentation et l’impact émotionnel à toute forme de confort d’écoute.